71 obras de 46 artistas de la colección Hirmas llegan al MARCO

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta Cuerpo, performance y acción: obras de la colección Hirmas, una exposición que ahonda en el cuerpo como territorio de disputa política y estética.

De acuerdo con la curaduría de Virginie Kastel, “la muestra parte del interés por comprender cómo el cuerpo, a través de la acción performática, muestra su potencia crítica frente a los dispositivos de poder que buscan regularlo y disciplinarlo. En este sentido, la performance y la acción persisten como prácticas de resistencia frente a las distintas formas de represión que se ejercen sobre los cuerpos”.

Esta es la primera vez que se organiza una exposición a partir de esta colección privada, considerada una de las más importantes en México. Boris Hirmas empezó su colección hace más de dos décadas y las obras que la conforman han formado parte de diferentes exposiciones en museos de México como el Museo Tamayo y el Museo de Arte Moderno; también en el extranjero como el Museo Reina Sofía y la Bienal de Venecia.

Desde sus inicios, el acervo se ha enfocado en el arte contemporáneo, y siempre ha contado con la asesoría de expertos; uno de ellos fue el destacado curador y crítico de arte Osvaldo Sánchez (1958–2025), quien introdujo al coleccionista al performance art.

“Para Hirmas, las obras de arte, especialmente esta selección, ayudarán al público a entender el mundo actual, porque reflejan la sociedad, la cotidianidad en distintas épocas y contienen componentes políticos e históricos. La muestra revela el interés particular del acervo por las prácticas relativas a la corporeidad”, explica el MARCO a través de un comunicado.

El recorrido más que cronológico resulta historiográfico, reuniendo 70 obras creadas a lo largo de seis décadas, desde los años 60 hasta producciones más recientes. La selección de obra abarca a artistas clave en el arte contemporáneo, desde los más importantes a nivel histórico como son Yves Klein, Günter Brus, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, VALIE EXPORT, Marina Abramović, Oleg Kulik, Vito Acconci, Paul McCarthy, Judy Chicago, Robert Longo, Ana Mendieta, Tunga, Lara Favaretto, Teresa Margolles, Santiago Sierra, Carlos Amorales, Melanie Smith, Alfredo Jaar, entre otros.

También están presentes nuevas generaciones de artistas, como Carlos Martiel, Enrique López Llamas, Erik Tlaseca, Seba Calfuqueo y Diego Vega Solorza. Aunque no está dividida por ejes temáticos, la exposición cuenta con pautas informativas que ayudarán al público a tener una lectura acerca de las propuestas discursivas detrás de las piezas.

El cuerpo: espacio de creación y crítica

El recorrido inicia con una serie de obras que reflexionan acerca de la “Experimentación y ruptura”. En los años sesenta y setenta, los artistas cuestionaban los límites tanto de la representación como de algunos conceptos, como la libertad, la resistencia, la individualidad, el género y la sexualidad, entre otros. Yves Klein utilizaba un tipo de azul para sus obras que patentó a su nombre.

En la exposición se encuentra un registro fotográfico de las icónicas Antropometrías de la época azul (1960), donde las modelos eran un “pincel vivo” al cubrirse con la pintura fresca de Klein para imprimir sus siluetas sobre el lienzo. Up to and Including Her Limits (1976), de Carolee Schneemann, es una acción en la que la artista pintó una superficie blanca mientras estaba suspendida de un arnés; este proceso está influenciado por la pintura corporalizada de Jackson Pollock.

Después, el público encontrará un grupo de obras que abordan la “Violencia y estructuras”. Son performances donde los artistas se enfocaron en el cuestionamiento de las estructuras de poder, especialmente en las últimas décadas. Las obras reflejan crisis económicas, dictaduras o sucesos históricos sociales, como Mad Dog (1994), de Oleg Kulik, en la que el artista se comporta como un perro. En el registro del performance que realizó afuera de una galería en Moscú, en 1994, se observa al artista sobre una persona que aparentemente tumbó al piso. Desnudo, el artista está atado a una cadena, representando las políticas antihumanas de la Europa del Este en la época postsoviética.

En un tercer segmento, el público encontrará obras acerca del “Territorio y construcción social”, donde los artistas ahondan en preocupaciones recientes, por ejemplo, al cuestionar el colonialismo y su impacto en los pueblos originarios, como en las obras de Seba Calfuqueo. Por su parte, el artista Carlos Martiel retoma las acciones violentas del racismo en un performance en el que su cuerpo desnudo está atado por una soga en el cuello, y el público lo sostiene para evitar su ahorcamiento.

La exposición llevará al público a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de creación, que al mismo tiempo es un territorio de cuestionamientos, de vulnerabilidad ante el público y de catarsis ante el mundo.